<interview>
textur3 features vol. 3｜君島大空
textur3 features vol. 3｜君島大空
君島大空，这位生于 95 年的年轻音乐家，自 19 年发行第一张 EP 开始就受到广泛关注。如今，他正在逐步成为当代日本独立音乐的代表。
从卧室创作开始，君島使用吉他和多种乐器，加之实验的方法，凝聚自己独特的美学。他的人声虽然音调高，却显得柔和美妙，泛出一种中性之美。除了独奏演出之外，君島大空也以三重奏、合奏形态活动，演奏具有强烈“身体性”的音乐，在精巧技法与猛烈爆发之间平衡自己的美学。
君島跨越流派的音乐难以被概括，他这么描述自己：在流行音乐流淌的世界大潮中，我希望成为演奏异物般音乐的存在。
从卧室创作开始，君島使用吉他和多种乐器，加之实验的方法，凝聚自己独特的美学。他的人声虽然音调高，却显得柔和美妙，泛出一种中性之美。除了独奏演出之外，君島大空也以三重奏、合奏形态活动，演奏具有强烈“身体性”的音乐，在精巧技法与猛烈爆发之间平衡自己的美学。
君島跨越流派的音乐难以被概括，他这么描述自己：在流行音乐流淌的世界大潮中，我希望成为演奏异物般音乐的存在。
曾发行 4 张 EP，2 张专辑，并 5 次登上 Fuji Rock 舞台。并于 2026 年 1 月 23 日以“合奏形态”在东京花园剧院呈现生涯最大的场馆演出。
君島大空即将出演 Asian Pop Festival、FUJI & SUN '26、森、道、市場等音乐节，第三张全长专辑 『 花落知多少 』将于六月发行，并时隔三年举行独奏巡演 。
我们与君島讨论了他独特音乐的根源和影响、创作方法以及对现场的身体性追求。
君島大空：
如果非要给我的音乐一个词概括的话
我觉得是“咒”
君島大空 合奏形態 ZEPP HANEDA. photo by kana tarumi
textur3：你最早的音乐记忆有哪些？能简单分享一下你大致的听音经历吗？
君島大空：我想是我父母和父母的朋友听的音乐。父亲喜欢 Tom Waits、RC Succession、加川良等，母亲则是偏爱 AOR（成人流行）风格的所有音乐，还有硬摇滚等。家里或车里的音响一直放着这些，我自然而然地就吸收了。
我小时候不太像普通孩子那样玩耍，所以总是在听音乐，查找相关的资料。
通过 YouTube 搜索、浏览各种乐评网站，我接触到了北欧电子音乐、芝加哥音响系[1]、阿根廷音响系[2]等等，然后从那里散开枝叶。但毕竟我立志成为吉他手，初中时听的 The Super Guitar Trio [3]的 Friday Night in San Francisco、Dream Theater 还有 Guthrie Govan 之类的给我震撼很大，让我变成了整天在家里弹琴的“吉他宅”。
- 指 Tortoise 与 Sea and Cake 等乐队及相关场景在日本的称呼。他们凭借由 McEntire 打造的清澈音效，以及自由灵动而丰富的音乐性，共同开创了一个独特的音乐场景。
- 指在 2000 年前后于日本被命名的一种音乐运动，以 Juana Molina 等艺术家为核心。其特征是具有独特的音响质感和漂浮感的音效、前卫的实验手法，同时融合了 Folktronica 和 Chillout 等元素。
- 指 Paco de Lucia, Al Di Meola, John McLaughlin。
君島大空：第一次弹唱真的很紧张。感觉自己快要凭空消失了一样（笑）。演奏内容的变化来说，初三时因为有了便携音箱和电吉他，就在车站前用独奏吉他弹奏 Chick Corea 的 Spain 呢（笑）。同班同学也来了，但我觉得是相当超现实的光景。
要说到与现在的联系，我觉得自己能轻松站在人前的气质，多亏了那个时候。在人前完全演奏时不会紧张。
textur3：你和吉他的关系如何？从那把 Aria 儿童吉他到后来的电吉他，你是怎么和这个乐器相处的，从被动练习到主动创作，你会把当时的情感迁移到吉他上吗？
君島大空：虽说事到如今，将重点放在 Track Making（编曲制作）或音乐整体的设计上，以此创作自己的音乐已成为生活中的常态，我也非常珍视与之相关的一切，但在此之前，吉他对我而言是人生中唯一能让我沉迷其中的东西。这一点至今未变。
电吉他和古典吉他对我来说是一样的。是身体的延伸，是映照自身的镜子，是与人对话的工具。
2024/11/30 SHIN-ONSAI 2024 photo by @room0703_
textur3：随着时间推移，父母具体的音乐偏好（比如父亲对乐器的影响、母亲的 AOR 喜好）对你的影响可能已经淡化。但如果从更抽象的精神层面来看，他们各自在你现在的音乐中，留下了怎样的印记？
君島大空：最近，为了审视自己的根源，我在一点一点地重新聆听、回忆小时候听过的音乐。果然，小时候听的音乐里，有着只与那段时光相连的风景。我大概一直都很珍视那些，即使是父母听的音乐，我想从那时起我也是带着自己的风景去听的吧。
近影 汀線にて photo by kanade hamamoto
textur3：你在采访中提到过自己其它方向的聆听经验，比如声响派（我猜像有杉本拓或者秋山澈次），比如金属乐；我知道你还喜欢 Fred Frith 或者 Bill Frisell 这样的吉他手，就算在即兴语境中，他们也不是传统的那一派。
人们对于使用吉他的“唱作人”有着一种特定的想象，但你显然不在这种脉络之中，这些实验性的元素是怎么影响你的，更多是在创作中还是在制作上？你是怎么把他们转化为自己的音乐语言的？
君島大空：我认为至今吸收的要素融入作品，既存在于创作阶段，也存在于制作阶段，并且我认为它们是不同的东西。我不想依赖于将音乐的流派语言化后所能想象的形式。
而困难之处在于，听过的所有东西并不能直接成为自己创作音乐的方法论。要达到这一点，需要独自学习、研究。我觉得如果没有反复练习直至融为一体的时间，就会变成拙劣的模仿，我也时刻提醒自己要保持开放的心态和敏锐的体悟。方法我认为是方向和工具。为了能够运用自如，必须锻炼相应的筋力（底层能力）。
textur3：如果没有过去的聆听经验，我想就无法谈论君岛先生的创作原点，但您是否认为，您从一开始并非瞄准流行、民谣等特定流派，最终只是结果上，这些元素偶尔会作为您作品的表层（表面性的东西）呈现出来呢？
君島大空：是的，我认为可以这样理解。我的基准（Benchmark）是我聆听的音乐所带来的意象的总和。
textur3：你会怎么描述自己追求的音乐方向，现在的时间点你处于这个发展道路的什么位置？
君島大空：从精神层面上来说我觉得会是酸性民谣 (Acid Folk)。去年，在发布名为 Lover 的曲子时，我认为这是暗黑氛围芭乐（Dark Ambient Ballad），非常契合我的状态。但如果非要给我的音乐一个词概括的话，我觉得是“咒（Noro-i）”。
我不擅长考虑“职业生涯”这种东西，常常感觉自己还什么都没做。
textur3：你怎么看待歌词和乐曲的关系？你在写作歌词时，更多考虑的是音韵上的和谐还是具体的表达？
君島大空：我在创作歌曲时，虽然会注意让歌词尽量表达具体清晰的含义，但多数情况下仍会以声音（Sound）为优先考虑。因为我认为决定自己音乐特质的最核心要素是人声，所以会特别注重对人声音色的斟酌。
卧室创作
textur3：我想“宅录”这种工作方式对你的创作一定很重要，你第一次了解这种方式是从何处？它对创作的哪部分影响最大？这种影响最后是怎么反映在录音的结果上的？和现场演出的关系呢？
君島大空：录音室录音，不是有录音间和控制室分开的情况吗？对此我有很不愉快的回忆，所以“一定要自己搞定一切！”的心情是起点。在满意之前，我不想让任何人看到，也不想让任何人听到，如果能全部由自己掌控就好了。宅录的优点在于可以无限地花时间，以及能够记录偶然性。比如经常录制即兴演奏，然后以其为基础添加其他声音，从而形成一首曲子。
我认为现场表演需要完全不同的身体性。在那里肉体的存在感压倒一切，需要爆发力。
准备、正式演出、制作，所有时间的投入方式都完全不同，所以我将它们当作不同的事物来对待。
textur3：你还做了不少后期工作（比如混音或者母带），这些经历会反向作用于你的前期创作吗？现在的趋势里，越来越多人把混音和录制的工作完全结合进创作中，你对这种方向怎么看？
君島大空：迄今为止的经验所带来的变化，不仅是最终乐曲的印象，构建它的每一个音色的意象也变得更具体了。我想作曲和混音都是从音色制作开始的。当然，那些无视这一切制作出的粗粝质感（texture），我也同样珍爱。
我认为音乐中的分工很重要。音乐制作和演奏活动，除了演奏者之外也需要专业人士，因为它们由过于高度的专业性支撑着，所以未必需要所有事情都由一个人完成。我所珍视的是自己的意象（image）。因为有意象，所以希望能尽量亲手触及到能触及的范围。我想，内心有意象的人，内心有明确意象的人，最好还是在可能的领域内自己去完成。
photo by kanade hamamoto
2025 三鷹おんがくのじかん
君島大空 合奏形態 ZEPP HANEDA. photo by kana tarumi
textur3：说到君岛大空的演出，果然会提到 “独奏” 跟 “合奏形态” 啊。单就独奏来说，你提到 “在与 Songbook Trio 的同台演出中，尝试用电子音乐的方式演唱”，那是什么样的方式？
君島大空：我记得是简单的弹唱，用采样器预置了 Pad：自己的声音、环境音、电子音等，然后伴随着像诗歌朗诵那样没有节奏感的歌唱，即兴地用采样器进行“装裱”般的演奏。那段时间我偏好受场所性或空间性影响的音乐，所以采取了那种装置艺术般的手法。
textur3：如今已经完全不同了，独奏的君岛有着对人声无与伦比的控制力，你是什么时候意识到自己已经能够（相对）自如地演奏？你会有意在独奏中放大人声的变化吗？
君島大空：大概是从 2024 年秋天开始。随着独奏演出增多，唱歌终于变得快乐起来了。与其说是变得能够随心所欲，不如说能够随心所欲的频率增加了可能更准确……独奏时演奏的动态会与现场呼应，并受其影响。
即便为了传入人耳，声音也不是一定要足够响亮；而就算播放着嘈杂的声音，心中浮现的风景也可能波澜不惊。我对人声的处理，就像在与这些矛盾的事物游玩一般。
textur3：独奏形式上的纯粹在我看来是需要完成很大程度上的情感交换的，你怎么看待和观众之间的关系？尤其是你还做过二三十人的企划。
君島大空：为了不被场地所左右，这几年我开始尝试在任何地方演奏。虽然我不确定观众的感受如何，但对我来说，无论身处何地，我的内心与状态都是始終如一的。
君島大空 合奏形態 ZEPP HANEDA. photo by kana tarumi
textur3：合奏形态是如何诞生的？
photo by kanade hamamoto
君島大空：首先是和辉（新井和輝），他是我高中时代的朋友，在当地 Live House 的即兴演奏会上认识的。修大（西田修大）是大约 8 年前在一个有很多吉他手的即兴演奏会上，感觉我们意气相投。駿駿（石若駿）是之前在提到的 Songbook Trio 中首先作为钢琴手认识的。
当我考虑用乐队演奏自己的音乐时，就想叫上朋友中最擅长乐器、能分享我的意象和内省风景的人来。本来计划是第一张 EP 的发行演出仅此一次，但实际试过之后后，那种不甘心又无比快乐的感觉，让我们持续到了现在。
textur3：你之前说过同台的音乐家都有很强“身体性”上的追求，具体来说是什么样的？有些乐手会告诉我在团体中可以更尽情追求消耗自我，在合奏中你会更大的释放自己吗？
君島大空：我觉得所谓“身体性”，是指超越思考速度的对乐器和音乐的爆发力、判断力、行动力，以及运用这些产生的感官互通。写着写着我想，或许就像是某种动物性。
在合奏中，我们一直在思考并实践着新的表达。依赖各位的身体性和高度的音乐素养是容易的。但是，我们会以此为前提，使用烧脑至极的系统，或者故意采用做不到的事情，每次都搭建具有挑战性的基础。在此基础上，我觉得是在毫无顾虑地消耗着自己。真的很感谢合奏的大家……
君島大空 合奏形態 ZEPP HANEDA. photo by kana tarumi
textur3：你有考虑过以乐队形式（不一定是合奏形态）进行创作吗？
君島大空：今年我考虑和乐队进行合宿，另外因为去年现场演出太多，我希望今年能有一个持续进行个人制作的时期。感觉有一阵子没发新作品了，但其实曲子有很多，我正在一边斟酌下次要营造怎样的风景，一边不断积累创作。
textur3：最后，请以十首曲子告诉大家现在的君岛大空是被什么构建的：
君島大空：
1. Tom Waits - Grapefruit Moon
2. Stina Nordenstam - So This Is Goodbye
3. Marc Ribot - Yo, I Killed Your God
4. Mark Fry & The A Lords - All Day Long
5. Antonio Loureiro - Voo a Dois
6. Jim O'Rourke - The Visitor
7. 麓健一 - 美化
8. The Faceless - Ancient Convenant
9. Eric Clapton - Blue Eyes Blue
10. ペトロールズ - 雨
Produced & Japanese Editorial：Zing
Chinese Editorial：neciak
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